Le Pont sur un bassin de nymphéas, 1899 : le pont, les plantations et l'eau
Un pont construit à Giverny, peint en 1899
Le Pont sur un bassin de nymphéas est une huile sur toile de Claude Monet peinte en 1899, une toile verticale mesurant 92,7 sur 73,7 cm. Elle montre la passerelle arquée qu’il fit construire au-dessus du jardin d’eau de sa maison à Giverny, le bassin occupant presque toute la vue sous le pont.
L’eau l’occupait depuis des années avant cette toile. Il avait détourné un petit ruisseau pour remplir un bassin sur un terrain près de sa maison, l’avait planté de nymphéas et avait fait élever par-dessus une passerelle de bois cintrée, peinte en vert pâle, inspirée des estampes japonaises accrochées dans toutes ses pièces.
Travailler près de chez lui lui convenait. Il avait déjà mené plus d’un sujet à travers une longue série : les meules dressées dans un champ près de sa maison, dans l’histoire des meules peintes pendant un seul hiver, et la façade occidentale de la cathédrale de Rouen, dans l’histoire de la fenêtre qu’il loua pour la peindre. Chaque sujet était peint encore et encore, à mesure que la lumière changeait au fil d’une journée ou d’une saison.
En 1899, il appliqua cette même méthode au pont lui-même, travaillant au plus près de l’eau à travers une série de toiles qui reviennent à peu près à la même vue du bassin et de sa passerelle.
Il approchait de la soixantaine, et le bassin lui permettait de travailler sans les voyages ni les chambres louées qu’avaient exigés ses précédentes campagnes sur la côte normande.
Le jardin d’eau resta son sujet principal pour le reste de sa carrière. Il continua de peindre le bassin, sous une forme ou une autre, jusqu’à sa mort en 1926, un travail qui se prolonge dans les grandes toiles racontées dans Le bassin qui a englouti l’horizon.
Comment le bassin se construit de vert, de violet et d’ocre
La toile est plus haute que large, et le pont la traverse en un arc peu profond dans le tiers supérieur. Les deux extrémités du pont sortent du cadre, de sorte que ni ses supports ni son accès ne sont visibles. Une masse de plantations ferme le ciel derrière le pont, et l’eau libre commence juste au-dessus de la ligne médiane, remplissant à peu près la moitié inférieure de la toile.
Un saule pleureur retombe en haut à gauche en longs traits verts et étroits, à côté de touches vert jaune plus vives et d’une masse de petites touches pâles, presque blanches, qui pourraient être des fleurs dans les arbustes voisins. La touche y est courte et serrée, construite par touches plutôt que par lignes.
Le pont lui-même est un cadre vert-gris pâle avec une main courante cintrée presque blanche, fait de traverses horizontales et de montants verticaux. Monet laisse le feuillage et l’eau derrière lui apparaître à travers le garde-corps ajouré, si bien que la structure se lit autant comme quelque chose que l’œil traverse que comme quelque chose qu’il regarde. L’ombre pâle du pont tombe sur l’eau juste en dessous de lui.
Juste sous le pont, un écran bas de roseaux et d’herbes court le long du bord éloigné du bassin, rompu par quelques touches de jaune et d’ocre qui suggèrent de petites fleurs prises parmi eux.
L’eau remplit le reste de la toile en bandes horizontales de feuilles de nymphéas, chaque feuille une touche plate de vert ou de vert-bleu, avec des fleurs blanches, rose pâle et quelques fleurs jaune pâle placées parmi elles en touches uniques chargées de peinture. Les feuilles sont plus grandes et plus rapprochées près du bord inférieur, ce qui fait que l’eau semble venir vers le spectateur.
Entre les feuilles, l’eau porte la couleur de ce qui pend au-dessus d’elle plutôt qu’une couleur qui lui soit propre. Des touches bleues et bleu-violet traversent le milieu du bassin, parmi des verts et un ocre chaud, avec une bande de brun-rouge sombre en bas de la toile là où le feuillage de la berge se reflète dans l’eau ombragée. Les reflets se déploient en touches plus longues et plus verticales que les feuilles, étirant le saule et la berge vers le bas comme le ferait une surface agitée.
Monet a posé la peinture épaisse par endroits, surtout dans les fleurs de nymphéas et le feuillage le plus lumineux, de sorte que des crêtes de pigment se dressent sur la toile et accrochent la lumière réelle. Les passages plus sombres des reflets sont plus minces et plus lisses en comparaison, ce qui maintient l’œil en mouvement entre la surface en relief éclairée et l’ombre plus plate en dessous.
Un bassin sans chemin ni point de vue fixe
Le sujet est un coin du propre jardin de Monet, mais la manière dont il est peint supprime la plupart de ce qui orienterait normalement un spectateur à l’intérieur d’un lieu. Le tableau retient trois choses : le pont, les plantations derrière lui et l’eau.
Sans chemin à suivre, l’œil du spectateur trouve un substitut dans les fleurs de nymphéas elles-mêmes. Monet dispose les blancs et les roses à intervalles à travers le bassin, denses près du bord inférieur et s’espacant vers le pont, et l’œil passe de l’un à l’autre comme un pied pourrait passer de pierre en pierre, ce que le tableau offre de plus proche d’un chemin à travers la scène.
Le recadrage du pont aux deux bords et l’absence de ciel ne donnent au spectateur aucun point de vue fixe, plus proche de planer au-dessus du bassin que de se tenir sur sa rive.
L’arche n’est pas tout à fait centrée sur la toile. Son point le plus haut se situe à gauche du milieu, et le bras droit du pont atteint le bord plus bas que son bras gauche. L’effet se lit comme une vue prise légèrement de biais, comme si Monet avait installé son chevalet à quelques pas le long de la berge plutôt que face au pont, une manière de plus pour le tableau de refuser un point de vue unique et officiel.
Le tableau peut aussi se lire comme une étude de ce qu’une surface cache et montre en même temps. Les feuilles de nymphéas flottent à la surface du bassin tandis que les reflets le traversent, et les deux sont peints dans les mêmes verts et violets, si bien que l’œil doit travailler pour séparer la plante de son image miroir.
La lumière n’est pas uniforme sur la berge derrière le pont. Le saule en haut à gauche est d’un vert plus profond et plus froid, tandis que le feuillage en haut à droite tire vers le vert jaune pâle et le presque blanc, comme si ce côté du jardin avait attrapé le soleil et que le côté du saule ne l’avait pas. Il n’y a pas de ciel dans le tableau, donc rien n’indique d’où vient cette lumière.
L’ocre chaud dans les roseaux et le violet froid dans l’eau se côtoient dans la majeure partie de la toile, ce qui empêche le tableau de s’installer dans une humeur claire ou ombragée.
L’original au Metropolitan Museum of Art, New York
La toile mesure 92,7 sur 73,7 cm (36 1/2 sur 29 pouces). Le musée la catalogue sous le numéro 29.100.113. Ce numéro et les dimensions verticales identifient cette toile précise lorsqu’une recherche dans les catalogues fait apparaître d’autres peintures du même pont.
Monet est revenu à la passerelle arquée dans plus d’une toile en 1899, travaillant le même motif depuis des distances et des angles légèrement différents, et plusieurs de ces peintures sont aujourd’hui conservées dans d’autres collections à travers le monde.
Placez-vous devant elle et vous pouvez lire la touche : les crêtes de peinture dans les fleurs de nymphéas et le saule accrochent la lumière de la galerie d’une manière qu’aucune photographie ne reproduit.
Dans le coin inférieur droit, Monet a signé et daté la toile à la main, Claude Monet 99, les deux derniers chiffres indiquant l’année 1899. La signature elle-même est une écriture fine et fluide, brun-rouge sombre, plus proche de la plume que de la peinture épaisse des fleurs.
Ceux qui veulent l’image sans le voyage à New York peuvent la commander sur la page de cette peinture, où chaque format proposé conserve le pont et le bassin dans les mêmes proportions que l’original, sans étirer ni recadrer la scène. La boutique envoie une photo de la toile terminée pour approbation avant l’expédition.
Choisir une reproduction du pont et du bassin
Une version peinte à la main de ce tableau est exécutée à l’huile par un peintre d’atelier expérimenté travaillant d’après la photographie de la toile du musée, sur une toile de coton de qualité artistique. Un seul peintre réalise une toile du début à la fin, sans rien d’imprimé, de transféré ni de projeté à aucun stade ; les formats et les choix d’encadrement sont indiqués sur la page de cette peinture.
Le peintre construit les fleurs et le saule par empâtements, à la manière de Monet, afin que votre toile accroche la lumière de la pièce où elle sera suspendue.
Peindre l’huile à la main prend 2 à 4 semaines. La livraison après expédition prend 5 à 7 jours ouvrés. L’expédition est gratuite et suivie dans le monde entier. L’impression sur toile d’archivage est prête plus tôt.
Le format vertical convient à un mur étroit comme à un mur large : un palier d’escalier, un couloir, l’espace près d’une porte. Une toile tendue unie concentre l’attention sur la touche, tandis qu’un cadre simple, clair ou sombre, marque les bords sans rivaliser avec les verts et les violets qui font déjà le travail.
Choisir entre l’huile peinte à la main et l’impression d’archivage dépend surtout de la distance à laquelle vous comptez vous placer : l’huile récompense l’examen rapproché.
Questions sur cette peinture et ses reproductions
Que montre Le Pont sur un bassin de nymphéas ?
Une passerelle cintrée vert pâle traversant le jardin d’eau de Monet à Giverny, peinte en 1899. Des feuilles de nymphéas, des fleurs blanches et roses dispersées et leurs reflets remplissent la majeure partie de la toile sous le pont. La toile montre une rive de roseaux sous le pont et une masse de plantations derrière lui, sans ciel visible.
Où est conservé l’original ?
L’original, huile sur toile, est conservé au Metropolitan Museum of Art, New York.
Quelle est la taille de la toile originale ?
Elle mesure 92,7 sur 73,7 cm (36 1/2 sur 29 pouces), une toile verticale plus haute que large.
Quelle est la différence entre l’huile peinte à la main et l’impression ?
Un peintre d’atelier recrée l’image du musée à l’huile sur toile, avec des coups de pinceau qui donnent de la texture à la surface. L’impression d’archivage reproduit l’image à plat, sans peinture en relief.
Peut-on choisir le format et le cadre ?
Oui. Les formats, la toile roulée ou tendue et les choix d’encadrement sont tous indiqués sur la page de la peinture au moment de la commande.
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