Seerosen (1908)
Stellen Sie sich ein flaches Boot vor, das an einem Julimorgen am Rand eines Teichs festgebunden ist, und einen Mann von siebenundsechzig Jahren, der darin sitzt, mit einer Leinwand vor sich und dem Rücken zum Garten. Er schaut nicht auf die Seerosen. Er schaut nach unten.
Das ist das gesamte Motiv. Keine Aussicht, keine Szene, kein Ort, den man betreten könnte. Ein Rechteck aus Wasser, fast direkt von oben gesehen, mit Seerosenblättern, die in lockeren Gruppen darauf liegen, und in den Lücken dazwischen der Himmel.
Es klingt nach nichts. Es war, im Jahr 1908, das Einzige, was er malen wollte, und es hatte fünfzehn Jahre Gartenarbeit und eine Veränderung seiner Vorstellung davon, was ein Bild sein sollte, gebraucht, um dorthin zu gelangen.
Fünfzehn Jahre Graben vor einer einzigen Seerose
Nichts an dieser Leinwand ist wild. Der Teich ist ein ingenieurtechnisches Projekt.
Er hatte das Haus in Giverny 1883 gemietet und 1890 gekauft, sobald seine Werke gut genug verkauft wurden, um es zu ermöglichen. Ab 1893 begann er mit dem Wassergarten, was die Umleitung eines Arms der Epte erforderte. Das war keine private Angelegenheit. Lokale Bauern protestierten, und er brauchte die Erlaubnis der Behörden, bevor das Wasser umgeleitet werden konnte. Die Sorge war praktischer Natur; die Menschen flussabwärts waren auf diesen Bach angewiesen, und ein Zierteich eines Künstlers war kein offensichtlich guter Grund, ihn zu beeinträchtigen.
Er erhielt seine Erlaubnis, grub seinen Teich, bepflanzte ihn und ließ 1895 eine japanische Fußgängerbrücke über das schmale Ende bauen. Im ersten Jahrzehnt malte er die Brücke, das Ufer, die Weiden, die gesamte lesbare Szene. Dann, allmählich, beschnitt er alles davon weg.
Bis 1908 gibt es keine Brücke mehr in diesen Bildern. Kein Ufer, kein Weg, kein Himmel am oberen Rand der Leinwand. Nur das Wasser. Er hatte fünfzehn Jahre damit verbracht, ein Motiv zu konstruieren, und dann alles daraus entfernt, was es einem Betrachter ermöglichte, es als einen Ort zu identifizieren.
Das Jahr, in dem die Bilder aufhörten zu beschreiben und anfingen zu schauen
Was eine Leinwand aus dieser Zeit von den früheren Teichbildern unterscheidet, ist nicht das Motiv. Es ist die Haltung.
Die Bilder der späten 1890er und frühen 1900er Jahre beschreiben immer noch. Sie zeigen dir, wo die Blätter sind, wie das Licht fällt, wie die Brücke zu einer bestimmten Stunde aussieht. Bis 1908 hat sich etwas verschoben. Die Blätter sind immer noch da, aber das Gemälde interessiert sich jetzt viel mehr für die Verwirrung der Oberflächen als dafür, eine von ihnen genau wiederzugeben.
Bedenken Sie, was physisch auf einem Teich passiert. Das Wasser hat eine Oberfläche, die Sie sehen können, weil Dinge darauf schwimmen. Es hat eine Spiegelung, die auf dieser Oberfläche sitzt, aber Dinge hinter und über Ihnen zeigt. Und es hat eine Tiefe, die Sie in Flecken erahnen, wo das Licht darunter gelangt. Drei verschiedene räumliche Systeme, die denselben Quadratzentimeter beanspruchen. Das menschliche Sehen ist nicht dafür gebaut, weshalb es leicht hypnotisch ist, lange ins Wasser zu schauen.
Er war außerdem, in diesem Jahr, seit anderthalb Jahrzehnten an demselben Teich gewesen, in jeder Jahreszeit und zu jeder Stunde. Diese Art von Vertrautheit tut etwas mit einem Maler. Er musste nicht mehr herausfinden, was vor ihm war. Er konnte direkt zur schwierigeren Frage übergehen: wie es sich anfühlte, es anzusehen.
Die Entstehung: Staffelei-Format, kein Horizont und ein Boot
Dies ist nicht eine der wandgroßen Dekorationen. Es ist eine Leinwand in einer Größe, die ein Mann tragen kann, im Freien aufstellt und in einer angemessenen Anzahl von Sitzungen fertigstellt, und das verändert die Art, wie es gemalt wurde.
Er arbeitete am Teich vom Ufer aus und von einem flachen Boot, was ihm das eine gab, was er vom Ufer aus nicht bekommen konnte: einen Blickwinkel direkt über dem Wasser ohne Ufer im Bild. Vom Boot aus hat der Teich überhaupt keine Ränder. Diese Perspektive ist der Grund, warum die Komposition auf einen Horizont verzichten kann.
Schauen Sie sich die Pinselstriche an. Im offenen Wasser sind sie länger und weicher, in Richtung der Spiegelungen gezogen, mit Farben, die nass in nass aufgetragen werden, sodass die Grenzen verschwimmen. Auf den Blättern sind sie kürzer, flacher, quer gelegt; jedes Blatt besteht eher aus zwei oder drei entscheidenden Strichen, als dass es gezeichnet und gefüllt wird. Wo eine Blüte sitzt, wird die Farbe dicker und heller, ein kleiner erhabener Knoten auf einer ansonsten fließenden Oberfläche.
Die Palette ist charakteristisch für diese Werkgruppe: blaugrünes Wasser, ein kühles Flieder im gespiegelten Himmel, Blätter in einem Gelbgrün, das im Schatten fast oliv wird, und Rosa oder Creme für die Blüten. Es gibt sehr wenig Dunkles. Das Bild hält durch nahe beieinanderliegende Farbwerte zusammen und nicht durch starke Kontraste, was die schwierigere Methode ist.
Lernen, es zu sehen: die drei Tiefen
Der beste Weg in eine solche Leinwand ist, sich zu weigern, sie als Muster zu betrachten. Bestehen Sie darauf, dass es ein Raum ist, und suchen Sie nach den drei Ebenen darin.
- Die Oberfläche. Finden Sie die Seerosenblätter. Beachten Sie, dass sie kleiner werden und sich am oberen Rand der Leinwand dichter zusammendrängen. Das ist keine Dekoration, sondern Perspektive; der obere Teil des Bildes ist Wasser, das weiter von Ihnen entfernt ist, der untere Teil ist Wasser zu Ihren Füßen. Sobald Sie das sehen, kippt die Leinwand und wird zu einer Ebene, die in die Ferne reicht, statt zu einem flachen Design.
- Die Spiegelung. Schauen Sie auf die hellen, kühlen Bereiche zwischen den Blättern. Das ist Himmel, der auf dem Wasser liegt. Er ist über Ihnen und hinter Ihnen, und er ist der einzige Himmel im Gemälde. Folgen Sie einer dieser Öffnungen, und Sie werden oft feststellen, dass sie von einem dunkleren vertikalen Schmierer unterbrochen wird, das ist ein Baum, auf dem Kopf stehend.
- Die Tiefe. An einigen Stellen wird die Farbe wärmer und trüber, ein bräunlicher oder oliver Ton. Das ist das Wasser, das Ihnen einen Blick in sich gewährt. Diese Passagen sind meist klein und leicht zu übersehen, und sie sind es, die verhindern, dass das Bild als Spiegel gelesen wird.
Versuchen Sie dann, alle drei gleichzeitig zu halten, was unangenehm ist und genau das Gefühl ist, über echtem Wasser zu stehen. Die meisten Betrachter schaffen das für ein paar Sekunden, bevor ihr Auge eine Ebene auswählt und sich beruhigt. Diese Instabilität ist das eigentliche Thema des Gemäldes.
Wie es sich in einem echten Raum verhält
Da dies ein Gemälde im Staffelei-Format ist und nicht im Wandformat, wirkt es anders als die großen dekorativen Paneele. Es ist intim. Es möchte aus drei oder vier Fuß Entfernung betrachtet werden, nicht von der anderen Seite des Raums.
Das macht es zu einer guten Wahl für Orte, an denen Menschen nah an den Wänden sind: ein Flur, ein Arbeitszimmer über einem Schreibtisch, ein Schlafzimmer, ein Treppenabsatz, die Wand neben einem Lesesessel, ein Badezimmer mit gutem Licht. Es ist eines der wenigen Motive, das aus der Nähe wirklich gewinnt, weil die Malweise in dieser Entfernung lesbar ist.
Die Palette ist kühl und hellwertig, ohne starkes Dunkel, sodass es eine Wand aufhellt, statt sie zu betonen. Auf Weiß oder Off-White wirkt es ruhig und fast schwerelos. Auf einem sanften Blaugrau oder einem blassen Salbeigrün verschmilzt es mit der Wand und wird atmosphärisch. Auf einer kräftigen dunklen Farbe gewinnt es viel Dramatik, weil das blasse Wasser plötzlich das Hellste im Raum ist.
Es lässt sich auch gut gruppieren, was bei den großen Paneelen nicht der Fall ist. Zwei oder drei Wasserbilder ähnlicher Größe als Set aufgehängt, lesen sich als Abfolge von Stunden und nicht als Wiederholung, was seiner ursprünglichen Denkweise über das Motiv viel näher kommt.
Geben Sie ihm, wenn möglich, gleichmäßiges Tageslicht. Dies ist ein Gemälde ohne einzelnen Brennpunkt und ohne tiefen Schatten, und es sieht am besten in demselben flachen, großzügigen Licht aus, in dem es geschaffen wurde.
Mehr aus dieser Kollektion
Dieses Gemälde nach Hause bringen
Wählen Sie eine handgemalte Ölreproduktion für echte Pinselstriche oder einen Archiv-Canvas-Druck für eine gestochen scharfe Museumsbild-Ausgabe. Jede Größe erhält die Originalproportionen.
Dieses Werk und Optionen ansehen
Weiterführende Lektüre
Verifizieren Sie das Original im Tokyo Fuji Art Museum Sammlungseintrag und fahren Sie mit verwandten Werken im Katalog fort.