モネの緑の反映（1920年）／睡蓮の大作の魅力と見方

クロード・モネ作『睡蓮 - 緑の反映』 — 睡蓮 - 緑の反映, 1914-1926; Musée de l'Orangerie · 複製画を表示

真夏の暑い午後、静かな池のほとりに立ち、まっすぐ下を見つめてください。目が慣れてくると、水が見えなくなる瞬間があります。見えるのは、その中に何かが浮かんでいる緑の塊であり、水面を見ているのか、水面に映った反射を見ているのか、その下にあるものを見ているのか、わからなくなります。深さと表面が同じものになるのです。少し戸惑うような感覚で、ほとんどの人は数秒で目をそらします。

この絵画は、その瞬間を、壁一面の大きさで、百年の間とどめたものです。

空はありません。岸も、橋も、柳の幹も、水が終わる線もありません。何がどれだけ離れているのか、この絵がどれほどの大きさを意図しているのかを示すものは何もありません。彼が制作した大きなパネルの中でも、この作品は風景画の通常の要素を最も取り除いたものであり、一見同じ主題のように見える絵画が並ぶ部屋の中で、今もなお人々を驚かせる理由となっています。

空を絵から取り除いた年

彼は、最もわかりやすい形で目に見える世界を描く画家として始めました。橋、舟、浜辺、大聖堂の正面です。1870年代には、橋と帆がかかった川を描き、その絵を使って町を歩き回ることができたでしょう。1890年代には、借りた部屋から大聖堂の正面を何度も描きましたが、そこでも建物はその形を保っていました。

1920年までに、それらのすべては取り除かれました。大きな装飾画は、1914年から1916年にかけて、ジヴェルニーに新設された専用の第三アトリエで、外に持ち出せないほどの大きさのキャンバスに描かれ、何世紀にもわたってヨーロッパの風景画を組織してきた一つの慣習、つまり水平線を放棄しています。

その理由は、部分的には実際的なものでした。水平線のある絵には、それ自体にサイズが組み込まれています。水平線は、あなたがどこに立っているか、あなたの身長がどれほどかを示すからです。それを取り除けば、絵はどんな寸法でもよくなり、それは、2つの楕円形の部屋で見る人を包み込むように設計された連作にとって、まさに必要なものでした。彼はこの連作全体をフランス政府に寄贈し、1927年、彼の死の翌年にオランジュリーに設置されました。

しかし、それは単なる設計上の理由だけではありません。彼は80代でした。1911年に2番目の妻を、1914年に息子のジャンを失いました。1912年頃には白内障と診断され、1923年の手術までそれとともに制作を続けました。そのような状況にある画家が、固定された地面も上端もない絵に興味を持つのは、当然のことかもしれません。

制作：緑は一色ではない

画家がこのキャンバスを見て最初に気づくのは、その実現の難しさです。

緑はパレットの中で最も扱いにくい色です。すぐに平坦になり、やりすぎると濁り、広い面積を単一の死んだシートとして読ませないためには、隅々まで生かし続けなければなりません。彼はここで、数メートルにも及ぶ緑の領域を扱いながら、その全体を常に呼吸させ続けています。

その方法を見てください。緑は均一なトーンに混ぜられて広げられているわけではありません。青みがかった緑、黄色みがかった緑、ほとんど茶色のオリーブ、光が葉に当たってほとんど白に見えるほど淡い緑など、互いに異なる温度感覚で配置されています。その間に、紫やくすんだ赤を、時には後の絵の具の下に半分埋もれた単一のストロークとして織り交ぜています。これらの暖かい色調が、画面全体が冷たく平坦になるのを防いでおり、それらは意図的に控えめにされているため、探し出す必要があります。

絵の具は、淡いパネルよりもここでは厚く塗られています。ある部分では、横に引かれた多量の絵の具が残した隆線が見え、他の部分では、半乾きの絵の具に戻って下層が筋状に透けています。整った仕事ではありません。読書距離で検査されることを意図されたものではありませんが、ほとんどの絵画よりもその検査に耐えるものです。

池自体は、彼自身の造成によるものでした。ジヴェルニーは1883年に借り、1890年に購入し、水の庭は1893年から掘られました。これは、エプト川の分流を引き、農民の反対の後、公式の許可を得ることを意味しました。日本の太鼓橋は1895年に続きました。この絵の中の夏の濃い緑は、彼が選んだ植栽の緑であり、彼が待ち望んだ大きさに成長したものです。

見方を学ぶ：模様ではなく、奥行きとして読む

このパネルでよくある間違いは、それを装飾、つまり心地よい緑の形の配置として見ることです。そうではありません。空間的に読むことを主張すれば、この絵はずっと強くなります。試してみてください。

まず葉を見つけます。睡蓮の葉は、この絵の中で平らに横たわる唯一のものです。それらは水平な漂流物のように集まり、キャンバスの上部に向かって小さく、密になっていきます。それは遠近法であり、静かに働いています。絵の上部は遠くにあり、下部はあなたの足元にあります。
次に反射を見つけます。暗い緑の長い垂直のスミアは、逆さまになった木々が水面に横たわっているものです。それらは池の中にはありません。それらはあなたの上と後ろにあり、絵画は水が唯一見せることができる方法でそれらをあなたに示しているのです。
次に隙間を見つけます。反射の間には、より淡く、より冷たい色の開口部があります。それらは空であり、これも反射であり、あなたの上と後ろにあります。つまり、この絵には空が含まれているのです。ただ、それを上部に置くことを拒否しているだけです。
3つすべてを同時に捉えます。表面、反射、深さ。それが彼が追い求めた感覚であり、それを得ると、キャンバスは平らでなくなり、本当に目がくらむようなものになります。

5分間過ごすと、もう何か気づくでしょう。目を休めるための単一の場所がないのです。焦点、主題、中心といった、あなたが教えられた構成はすべて、意図的に控えられています。絵はただ続くだけです。その拒否こそが、曲線の壁に人を取り囲むように設計された連作の要点です。

実際の部屋での見え方

これは池のパネルの中でも最も彩度が高く、最も包み込むような作品であり、淡いパネルよりも部屋に少し多くを要求します。

涼しく、日陰で、深い雰囲気を演出したい空間に最適です。ダイニングルーム、書斎、寝室、窓がレンガや壁に面している部屋など。この密度の緑は、窓の外の葉のように振る舞い、部屋は実際には隣接していなくても、庭に面しているかのように見えます。すでに植物や木でいっぱいの部屋では、完全に調和します。

壁の色は、ほとんどの絵画よりもこの作品に影響を与えます。白い壁では、密度が高く、宝石のような、ほとんどタペストリーのように見えます。柔らかい暖かいグレーやパテ色の壁では、緑が落ち着き、内部の紫やくすんだ赤が前面に出てきて、より興味深い読み方ができます。濃い緑の壁では、表面に溶け込んで雰囲気となり、物体ではなくなります。これは好きな人もいれば、イライラする人もいます。

強い競合する色から遠ざけてください。赤いソファや明るいラグは、それと戦い、両方とも負けるでしょう。ニュートラルな仲間を与えれば、部屋全体を引き締めてくれます。

低く、広く、座った見る人の目の高さに中心を置き、均等に照明を当ててください。焦点のない絵であるため、スポットライトはまさに間違った道具です。それは、画家が何年もかけて取り除いてきた中心を発明してしまうからです。