클로드 모네의 지베르니 근처의 건초더미(1884)

짙은 녹색 나무와 덤불이 점묘법으로 그려져 있고, 창백한 황금빛 벽과 대비되며, 아래에는 음영 있는 청회색 띠가 있습니다. — 지베르니 근처의 건초 더미, 1884-1889; Pushkin Museum of Fine Arts · 재현 제품 보기

아침 일곱 시의 젖은 풀은 스무 걸음 안에 사람의 무릎까지 적십니다. 캔버스의 무게, 물감 상자, 그리고 부드러운 땅에 다리가 빠지는 접이식 이젤까지 더하면, 이 그림의 실제적인 육체적 작업이 드러납니다: 중년의 남자가 빌린 집에서 걸어 나와 평평한 강 계곡으로 들어가, 남의 땅에 서서, 아무도 주제라고 생각하지 않는 잘린 밀 더미 앞에 서 있는 것입니다.

모네는 1883년에 지베르니의 집을 빌렸습니다. 이 캔버스는 그 다음 해의 작품으로, 그가 아직 시골 마을의 신참이었고, 주변의 풍경이 무엇을 할 수 있는지 알아가는 중이었습니다. 이 그림이 무엇이 아닌지 분명히 말할 가치가 있습니다. 이것은 유명한 건초더미 연작 중 하나가 아닙니다. 그 연작은 훨씬 나중인 1890년과 1891년경에야 나왔고, 그때 그는 그 대상이 무엇을 담을 수 있는지 마침내 이해했습니다. 1884년에 그는 단지 들판에 있는 더미를 보고 있었을 뿐입니다. 체계도 없고, 연작에 대한 계획도 없으며, 이 형태가 결국 그의 이름과 연결될 것이라는 생각도 없었습니다.

남의 땅, 남의 해

이런 더미는 풍경이 아닙니다. 저장된 노동입니다. 밀은 베어져 모으고, 빗물이 겉으로 흘러내리고 속의 곡식이 타작할 때까지 마르지 않도록 모양을 만든 지붕을 얹어 방수 처리된 둔덕으로 쌓습니다. 농부가 그 형태를 보면, 들판에 서 있는 한 시즌의 노동과 겨울의 돈을 봅니다. 그것은 건초더미라기보다 은행에 가깝습니다.

그래서 이젤을 들고 들판으로 들어가는 화가는 다소 우스꽝스러운 일을 하는 것이며, 그 자신도 알았을 것입니다. 그 더미를 만든 사람들은 일하고 있었습니다. 그는 바라보고 있었습니다. 도시 화가들이 그림 같은 농부를 찾아 시골로 간 오랜 역사가 있지만, 이 캔버스의 두드러진 특징은 모네가 그렇게 하지 않았다는 것입니다. 그 안에는 일화가 없습니다. 어떻게 느껴야 하는지 알려주는 쇠스랑에 기대어 있는 인물도 없습니다. 그저 대상, 그것이 서 있는 땅, 그리고 그 주위의 공기만 있을 뿐입니다.

슬픔은 나중에 찾아왔습니다. 첫 아내 카미유는 1879년 서른두 살에 세상을 떠났고, 그 후의 몇 년은 직업적으로나 개인적으로나 그의 인생에서 가장 힘든 시기였습니다. 1884년에 그는 무언가를 재건하고 있었습니다: 가정, 작업 습관, 장소. 앞으로 30년 동안 같은 들판을 그리는 사람은 움직이기를 멈추기로 결심한 사람입니다.

제작 과정

이 그림은 한 번의 세션으로 이루어진 야외 회화에 가깝습니다. 조건이 유지되는 동안 그림을 완성해야 했기 때문에 붓놀림이 빠르고 방향성이 있으며, 땅바닥이 비치는 곳에서는 물감이 얇게 칠해져 있습니다.

더미가 어떻게 세워졌는지 보십시오. 짧고 곡선을 그리며 형태를 따라가는 붓놀림은 그 자체로 초가지붕의 둥근 면을 보여줍니다. 이제 그것을 들판과 비교해 보십시오. 땅은 다른 리듬으로, 더 평평하고 수평으로 칠해졌으며, 형태를 따라가는 것이 아니라 화면을 가로지르는 붓놀림으로 처리되었습니다. 두 종류의 대상에 대한 두 종류의 표시. 그것이 한 캔버스에 담긴 야외 회화의 전체 문법입니다.

그림자의 색이 진짜 작업이 이루어지는 곳입니다. 더미의 그늘진 면은 갈색이 아니며, 짚의 본래 색을 어둡게 만든 것도 아닙니다. 그것은 위의 하늘에서 빌려온 파란색과 보라색, 그리고 아래 풀에서 반사된 녹색을 담고 있습니다. 이런 작업 방식에서 그림자는 빛의 부재가 아닙니다. 그것은 다른 방향에서 온, 다른 색을 가진 빛입니다.

들판은 벽 없는 작업실이다

이런 회화의 실제적인 조건은 거의 묘사되지 않지만, 그림이 어떻게 보이는지에 대해 많은 것을 설명합니다. 피난처가 없습니다. 빛은 끊임없이 변하므로, 당신이 그림자의 반대편에 도달했을 때 시작한 그림자는 이미 움직였습니다. 바람은 젖은 물감 위에 먼지와 씨앗을 띄웁니다. 곤충은 그 안에 들어가 머물기도 합니다. 땅이 부드러워서 이젤은 한 시간 동안 고르지 않게 가라앉아 다시 고정해야 합니다.

그리고 언제 멈출지의 문제가 있습니다. 스튜디오 회화는 몇 주 동안 작업할 수 있습니다. 야외 회화에는 자연스러운 마감 기한이 있습니다. 해가 충분히 움직이면 당신이 찾아온 주제는 더 이상 존재하지 않게 되고, 계속하는 것은 다른 날을 같은 캔버스에 그리는 것이 되기 때문입니다. 경험 많은 야외 화가라면, 양심으로 그림을 천천히 망치는, 너무 오래 지속된 작업 세션의 특별한 고통을 알고 있습니다.

물감에서 그 훈련을 볼 수 있습니다. 붓질은 한 번에 놓고 그대로 둡니다. 긁어내거나 수정하는 일이 거의 없고, 가장자리를 만지는 일도 거의 없습니다. 얇은 부분은 얇게 그대로 있습니다. 그것은 대충대충이 아닙니다. 그것은 빠르게 작업하면서 보면서 만든 첫 번째 색채 관계의 진술이 생각하면서 만든 세 번째 것보다 더 진실하다는 것을 아는 사람의 행동입니다.

그리고 젖은 캔버스와 짐을 가득 실은 상자를 들고 들판을 가로질러 집으로 걸어가는 것은 그 자체로 빠르게 작업해야 하는 이유입니다.

지금 무엇을 볼 것인가

더미의 밑부분을 찾으십시오. 그것이 들판에 깔끔한 절단선으로 놓여 있지 않다는 것을 주목하십시오. 그것은 풀밭에 자리 잡고 있으며, 가장자리가 부서지고 끊겨 있어서 질량이 붙은 것처럼 보이지 않고 무겁게 느껴집니다.
빛이 드는 쪽과 그늘진 쪽을 비교하고 실제 색상을 말해 보십시오. 대부분의 사람들은 금색과 갈색이라고 합니다. 다시 보면 장미색, 초록색, 라일락색이 대부분의 역할을 하고 있음을 발견할 것입니다.
지평선을 따라가 보십시오. 그것은 낮고 조용하며 부드럽게 표현되어 있어서 더미가 매우 넓은 빈 하늘과 들판을 지배할 수 있습니다. 그림에서 거의 다른 어떤 것도 경쟁하지 않습니다.
뒤로 물러서서 실루엣을 확인하십시오. 더미는 어떤 거리에서도 하나의 깔끔한 형태로 읽힙니다. 그 가독성 때문에 모네는 몇 년 동안 이 모티프로 돌아왔습니다.

다음 단계를 가르쳐 준 그림

이 캔버스가 겸손한 주제가 시사하는 것보다 더 흥미로운 데에는 이유가 있습니다. 6~7년 후에 모네는 바로 이 형태를 사용하여 빛이 아니라 대상이 그림의 진짜 내용임을 증명할 것입니다. 그는 여러 캔버스를 동시에 설치하고 해가 움직임에 따라 그것들을 바꿔가며 작업할 것입니다. 그리고 그는 대성당이나 사람이 아닌 건초더미로 그 일을 할 것입니다. 왜냐하면 건초더미는 어리석을 정도로 단순하기 때문입니다. 단순한 형태는 다른 모든 것이 빛에 관한 것이 되게 합니다.

여기에서 발견이 이루어지는 것을 볼 수 있습니다. 그가 그것을 만들고 있다는 것을 알기 전에 말입니다. 더미는 이미 축소되어 있습니다. 이야기는 이미 사라졌습니다. 남은 것은 한쪽에서 빛을 받은 마른 풀 더미가 색깔의 작은 사건이라는 평범한 기적입니다.

실제 벽에서 어떻게 보이는가

가로 형식, 낮은 지평선, 하나의 강한 중심 질량은 이 작품을 모네의 모티프 중 가장 살기 쉬운 것 중 하나로 만듭니다. 구성은 차분하고 눈이 빠르게 안정되므로, 예술이 목소리를 높이기를 원하지 않는 방, 즉 침실, 식당 벽, 긴 접근로가 있는 복도에서 잘 어울립니다.

팔레트는 따뜻하고 흙빛이며 차가운 그림자 음이 있어 참나무, 양모, 테라코타, 돌, 그리고 크림에서 클레이 범위의 벽 색상과 잘 어울립니다. 차가운 청회색 벽에서는 대조적으로 눈에 띄게 더 황금빛이 되는데, 그것은 완전히 다른 그림이며 선택의 여지가 있다면 시도해 볼 가치가 있습니다.

강한 스포트라이트보다는 좋은 일반 조명을 주십시오. 이 캔버스의 미묘함은 더미의 그늘진 절반에 살아 있으며, 밝은 방향성 빔은 당신이 읽고 싶어 하는 바로 그 부분을 평평하게 만들 것입니다. 그리고 서 있을 때 지평선이 당신의 눈높이에 오도록 충분히 낮게 걸십시오. 들판 그림은 땅이 프레임 밖으로 당신의 발쪽으로 흘러나올 때 가장 잘 작동합니다. 결국, 그것이 젖은 풀밭에 서 있던 그 남자에게 보였던 모습입니다.