모네 수련 1916, 그림 뒤에 숨은 이야기와 감상법

분홍, 빨강, 노랑 수련 꽃이 짙은 파란 물 위 초록 수련잎 사이에 놓여 있으며, 두껍고 질감 있는 붓터치로 그려져 있습니다. — 수련, 1916; National Museum of Western Art · 재현 제품 보기

1916년, 한 노인이 자신의 정원에 건물 하나를 세웠습니다. 그것은 크고 평범하며 산업적이었고, 한쪽 면은 유리로 되어 있었으며, 오직 한 가지 목적만을 위해 만들어졌습니다. 바로 다른 곳에서는 다룰 수 없을 만큼 큰 캔버스들을 보관하기 위한 것이었습니다. 아무도 그것들을 주문하지 않았습니다. 고객도, 계약도, 누군가가 그것들을 원할 것이라는 보장도 없었습니다.

그는 76세였습니다. 그의 두 번째 아내는 1911년에 세상을 떠났습니다. 그의 아들 장은 1914년에 세상을 떠났습니다. 1912년경에 그는 백내장 진단을 받았고, 1923년에 수술을 받기로 동의하기 전까지 11년 동안 그 상태로 작업을 계속했습니다. 밖에서는 전쟁이 2년째, 3년째로 접어들고 있었고, 나라는 화가의 연못보다 더 긴급한 문제들을 생각하고 있었습니다.

그리고 그 창고에서, 그는 문짝만 한 크기의 캔버스에 물을 그렸습니다.

규모의 도약

이 해의 그림들에 대해 기억해야 할 사실은 이것입니다. 크기가 달라졌고, 모든 것이 그로부터 비롯되었습니다.

20년 동안 그는 이젤 크기로 연못을 그렸습니다. 물가로 가지고 갈 수 있고, 설치하여, 아침에 야외에서 작업할 수 있는 캔버스였습니다. 그 크기는 특정한 관계를 강요합니다. 당신은 그림을 보고, 그림은 당신 앞에 놓이며, 그것은 벽 위의 사물입니다.

대략 사람 키만 한 캔버스는 다른 무언가를 합니다. 가까이 서면 그것은 주변 시야를 포함한 시야를 가득 채우고, 뇌는 그것을 더 이상 그림으로 분류하지 않고 공간으로 취급하기 시작합니다. 이것이 그가 대략 1914년부터 1916년까지 넘어선 문턱이었고, 그것이 대형 장식화를 가능하게 만들었습니다. 그가 사망한 후 1927년 오랑주리 미술관에 설치된 거대한 패널들은 이와 같은 캔버스들을 거쳐 이어지는 길의 끝 지점입니다.

이 시기의 작품이 특히 흥미로운 이유는 그것이 그 경계선상에 있기 때문입니다. 그것은 연못의 이젤 그림이라고 하기에는 너무 크고, 건축물이라고 하기에는 그렇지 않습니다. 그것은 하나의 모티프를 실물 크기로 확대한 것으로, 확대가 붓놀림에 정확히 어떤 영향을 미치는지 볼 수 있는 몇 안 되는 곳 중 하나입니다.

오십 걸음 떨어진 연못에서, 서서 그리다

이런 크기의 캔버스는 물가로 가져갈 수 없습니다. 이것은 사소한 세부 사항이 아닙니다. 그것은 그가 50년 동안 유지해 온 습관을 깨뜨린 것입니다.

그는 야외에서, 열악한 조건에서, 모티프를 보며 작업하면서 명성을 쌓았습니다. 1880년대 초반에는 노르망디 해안을 절벽과 해변에서 캔버스에 바람을 막기 위해 무게를 실어 두고 그렸고, 1885년 에트르타에서는 파도가 그의 이젤을 휩쓸었습니다. 1890년대 루앙에서는 대성당 맞은편의 임대 방에서 작업했으며, 여러 캔버스를 동시에 사용하며 빛이 이동함에 따라 한 캔버스에서 다음 캔버스로 옮겨 다녔고, 1894년에 스튜디오에서 그것들을 완성하여 1895년에 전시했습니다. 그 타협안조차도 건물이 그 앞에 물리적으로 있어야 했습니다.

여기서 연못은 오십 걸음 떨어져 있고 시야에서 벗어나 있습니다. 그는 스케치, 기억, 그리고 20년 동안 너무 철저해져서 확인하지 않고도 그 물의 움직임을 재구성할 수 있을 정도로 쌓인 연못에 대한 지식을 바탕으로 작업하고 있습니다. 페인트는 그것을 반영합니다. 붓놀림은 작은 야외 캔버스들보다 더 결단력 있고 덜 세밀합니다. 자신의 표면을 앞에 있는 사물과 비교하는 화가의 신경질적인 조정이 덜하고, 이미 알고 있는 것을 내려놓는 사람의 모습이 더 많이 보입니다.

그는 또한 그 거리에서 판단할 수 없는 영역에서 팔을 뻗은 채로 작업하고 있습니다. 모든 부분은 가까이서 그려지고 멀리서 평가되었으며, 이는 76세의 나이에 스튜디오 바닥을 반복적으로 앞뒤로 걸어 다녀야 함을 의미합니다.

보는 법 배우기: 실물 크기의 하나의 모티프

이 규모의 캔버스의 즐거움은 실수와 결정을 포함한 모든 것이 확대된다는 것입니다.

하단 가장자리에서 시작하세요. 가장 가까운 수련 잎은 그림에서 가장 큰 사물이며, 때로는 손바닥만 합니다. 각 잎이 얼마나 적은 붓놀림으로 그려졌는지 보세요. 두세 번의 묵직한 터치, 종종 붓을 돌려 잎에 밝은 가장자리와 어두운 가장자리를 만듭니다. 드로잉도, 윤곽선도 없습니다. 형태는 전적으로 색상의 배치로 만들어집니다.
위로 따라가 보세요. 그것들은 위로 갈수록 작아지고 빽빽해집니다. 그 기울기가 그림의 유일한 원근법이며, 수 미터의 가상의 물을 만들기에 충분합니다.
틈새를 들여다보세요. 열린 물은 길고 수직적이거나 대각선적인 붓놀림으로 만들어집니다. 그것들은 표면에 의해 늘어난 반사입니다. 어두운 곳은 나무이고, 옅은 곳은 하늘입니다. 그림에는 다른 하늘이 없습니다.
이제 꽃을 찾으세요. 그것들은 캔버스에서 가장 두꺼운 페인트, 분홍색, 크림색 또는 흰색의 작고 도드라진 매듭으로 주변의 모든 것 위에 우뚝 솟아 있습니다. 실물 크기에서 그것들이 마지막에 빠르게 칠해졌고, 각각이 단일한 몸짓임을 볼 수 있습니다. 그것들은 또한 그림에서 확실한 가장자리를 가진 유일한 사물입니다.
가까이 서서 놓아주세요. 이 크기의 캔버스에서는 가장자리가 시야에서 사라질 만큼 가까이 다가갈 수 있습니다. 그림은 직사각형이 아니라 당신이 그 위에 서 있는 표면이 됩니다. 그것이 후기 프로젝트 전체가 구축된 효과입니다.

한 가지 더 주목할 점이 있습니다. 어디에도 물가가 없습니다. 둑도, 다리도, 갈대밭도, 연못이 유한하다는 것을 알려줄 아무것도 없습니다. 그는 1895년에 세워진 일본식 다리를 몇 년 동안 그렸지만, 이 그림들에서 그것을 완전히 제거했습니다. 그것을 제거함으로써 정원의 특징물이 측정할 수 없는 크기의 열린 물의 장으로 바뀌었습니다.

실제 공간에서의 효과

이 규모의 그림은 방 안의 장식품이 아니라 건축물의 일부이며, 그에 따라 다루어져야 합니다.

주변에 여유 공간이 있는 벽에 걸으세요. 큰 단일 모티프 캔버스는 주변에 작은 액자를 빽빽이 두는 것보다 더 빨리 죽는 법이 없습니다. 그것은 벽을 여백으로 필요로 합니다. 계단참, 이중 높이 공간, 오픈 플랜 거실의 긴 벽, 침대 맞은편 벽, 문으로 들어설 때 보이는 현관이 좋습니다.

구도에 초점이나 수평선이 없기 때문에, 그것은 비율에 유용한 효과를 줍니다. 천장이 낮은 방은 모티프가 네 가장자리 모두로 흘러나가는 그림 덕분에 높이가 높아 보입니다. 눈은 멈출 곳을 찾지 못하고 벽이 계속되는 것으로 읽습니다. 작은 방을 더 비좁게 만들기보다 오히려 더 넓어 보이게 만드는 드문 주제 중 하나입니다.

색조, 라일락 반사와 옅은 꽃이 있는 청록색 물은 시원하고 차분하며 가구와 어울리지 않을 일이 없습니다. 나무, 린넨, 돌, 녹지와 편안하게 어울립니다. 흰 벽에서는 깨끗하고 현대적으로 보입니다. 짙은 파란색이나 부드러운 차콜 벽에서는 훨씬 더 분위기 있어지고 꽃이 빛나기 시작합니다.

높이를 올바르게 맞추세요. 큰 물 그림의 중심은 서 있는 사람의 눈높이에 대략 오도록 해야 하며, 더 높지 않아야 합니다. 규모의 핵심은 가까이 다가가 시야를 가득 채울 수 있다는 것이기 때문입니다. 너무 높이 걸면 그것은 다시 단순한 연못 그림으로 돌아가는데, 그것은 그가 인생의 마지막 10년 동안 벗어나려고 했던 바로 그 것입니다.