모네 수련 1908: 그림 뒤에 숨은 이야기

연한 라벤더, 세이지 그린, 연한 노랑의 부드럽게 섞인 붓질이 캔버스 위를 흐르고, 희미하게 말린 선이 물 위의 빛을 암시합니다. — 수련, 1908; Tokyo Fuji Art Museum · 재현 제품 보기

7월의 어느 아침, 연못 가장자리에 평평한 바닥의 배가 매여 있고, 그 안에 예순일곱의 남자가 캔버스를 앞에 세워두고 정원에 등을 돌린 채 앉아 있는 모습을 상상해 보세요. 그는 수련을 바라보고 있지 않습니다. 그는 아래를 내려다보고 있습니다.

그것이 바로 전체 주제입니다. 경치도, 장면도, 걸어 들어갈 수 있는 장소도 아닙니다. 거의 바로 위에서 본 직사각형의 물, 그 위에 느슨한 무리로 떠 있는 수련 잎, 그리고 그 틈 사이로 보이는 하늘.

아무것도 아닌 것처럼 들립니다. 1908년 무렵, 그것은 그가 그리고 싶은 유일한 것이었고, 그곳에 도달하기까지 15년의 정원 가꾸기와 그림이 무엇을 위한 것인지에 대한 생각의 변화가 필요했습니다.

수련 한 송이 피기까지 15년의 땅 파기

이 캔버스에는 자연스러운 것이 없습니다. 연못은 공학 프로젝트입니다.

그는 1883년에 지베르니의 집을 임대했고, 1890년에 작품이 충분히 팔리게 되자 그 집을 샀습니다. 1893년부터 그는 물 정원을 시작했는데, 이를 위해 엡트 강의 지류를 돌리는 것이 필요했습니다. 그것은 사적인 일이 아니었습니다. 지역 농부들이 반대했고, 물을 돌리기 전에 당국의 허가가 필요했습니다. 그 우려는 실용적이었습니다. 아래쪽 사람들은 그 개울에 의존하고 있었고, 예술가의 장식용 연못이 그것을 방해할 명백히 좋은 이유는 아니었습니다.

그는 허가를 받고 연못을 파고 심었으며, 1895년에는 좁은 쪽 끝에 일본식 보행교를 놓았습니다. 처음 10년 동안 그는 다리, 둑, 버드나무, 그리고 전체적으로 읽을 수 있는 풍경을 그렸습니다. 그러다가 점차적으로, 그는 그 모든 것을 잘라내기 시작했습니다.

1908년이 되자 이 그림들에는 다리가 없습니다. 둑도, 길도, 캔버스 위쪽의 하늘도 없습니다. 오직 물만 있습니다. 그는 15년 동안 주제를 구성하는 데 보냈고, 그런 다음 그 장소로 식별할 수 있게 하는 모든 것을 제거했습니다.

그림이 묘사하기를 멈추고 바라보기 시작한 해

이 날짜의 캔버스를 이전 연못 그림과 구분하는 것은 모티프가 아닙니다. 그것은 태도입니다.

1890년대 후반과 1900년대 초반의 그림은 여전히 묘사합니다. 그것들은 수련 잎이 어디에 있는지, 빛이 어떻게 떨어지는지, 다리가 특정 시간에 어떻게 보이는지 알려줍니다. 1908년이 되자 무언가가 바뀌었습니다. 잎은 여전히 있지만, 그림은 이제 그것들 중 어느 하나를 정확하게 보고하는 것보다 표면의 혼란에 훨씬 더 관심이 있습니다.

연못에서 물리적으로 일어나는 일을 생각해 보세요. 물에는 표면이 있고, 그 위에 물건이 떠 있기 때문에 볼 수 있습니다. 반사가 있고, 표면에 있지만 당신 뒤와 위에 있는 것들을 보여줍니다. 그리고 깊이가 있으며, 빛이 아래로 들어가는 곳의 조각에서 엿볼 수 있습니다. 같은 평방인치에 존재하는 세 가지 다른 공간 시스템. 인간의 시력은 이것을 위해 만들어지지 않았기 때문에, 오랫동안 물을 바라보는 것은 약간 최면에 걸린 듯하게 만듭니다.

그는 또한 그 해까지 같은 연못에서 15년 동안, 모든 계절과 모든 시간에 있었습니다. 그런 친숙함은 화가에게 어떤 영향을 미칩니다. 그는 더 이상 앞에 있는 것이 무엇인지 알아낼 필요가 없었습니다. 그는 더 어려운 질문, 즉 그것을 바라보는 것이 어떤 느낌인지에 직접 갈 수 있었습니다.

제작 과정: 이젤 규모, 수평선 없음, 그리고 배

이 그림은 벽면 크기의 장식 작품이 아닙니다. 한 사람이 들 수 있는 크기의 캔버스로, 야외에서 설치하고 합리적인 횟수의 작업으로 완성할 수 있으며, 그것이 그려진 방식을 바꿉니다.

그는 연못을 둑과 평평한 배에서 작업했는데, 배에서는 둑에서 얻을 수 없는 것, 즉 프레임에 둑이 없는 물 바로 위의 시점을 얻을 수 있었습니다. 배에서 보면 연못에는 가장자리가 전혀 없습니다. 그 시점 덕분에 구성에 수평선이 필요 없게 되었습니다.

붓놀림을 보세요. 열린 물에서는 더 길고 부드러우며, 반사 방향으로 끌려가고, 색이 젖은 상태로 겹쳐져 경계가 흐려집니다. 잎에서는 더 짧고 평평하며 가로로 놓입니다. 각 잎은 일반적으로 그리고 채우는 것이 아니라 두세 번의 결정적인 붓질로 만들어집니다. 꽃이 있는 곳에서는 페인트가 더 두껍고 밝아지며, 그 외에는 유동적인 표면에 작은 돌출된 매듭이 됩니다.

팔레트는 이 작업의 특징입니다: 청록색 물, 반사된 하늘의 차가운 라일락, 그림자에서 거의 올리브색으로 변하는 황록색 잎, 그리고 꽃을 위한 분홍색이나 크림색. 어두운 색은 거의 없습니다. 그림은 강한 대비보다는 가까운 값의 색으로 유지되는데, 이것이 더 어려운 방식입니다.

보는 법 배우기: 세 가지 깊이

이런 캔버스에 접근하는 가장 좋은 방법은 그것을 패턴으로 보기를 거부하는 것입니다. 그것이 공간이라고 주장하고, 그 안에서 세 가지 층을 찾으세요.

표면. 수련 잎을 찾으세요. 캔버스 위쪽으로 갈수록 잎이 작아지고 더 빽빽하게 모인다는 것을 주목하세요. 그것은 장식이 아니라 원근법입니다. 그림의 위쪽은 더 멀리 있는 물이고, 아래쪽은 발밑의 물입니다. 일단 그것을 보면, 캔버스는 기울어져 평평한 디자인이 아니라 멀리 후퇴하는 평면이 됩니다.
반사. 잎 사이의 창백하고 차가운 영역을 보세요. 그것은 하늘로, 물 위에 놓여 있습니다. 그것은 당신 위와 뒤에 있으며, 그림에서 유일한 하늘입니다. 이 틈 중 하나를 따라가면 종종 더 어두운 수직 얼룩에 의해 중단되는 것을 발견할 수 있는데, 그것은 거꾸로 된 나무입니다.
깊이. 몇몇 곳에서 색이 더 따뜻하고 탁해지며, 갈색이나 올리브색의 음영이 나타납니다. 그것은 물이 당신이 그 안을 볼 수 있게 하는 것입니다. 이 부분은 일반적으로 작고 놓치기 쉽지만, 그림이 거울로 읽히는 것을 막아줍니다.

그런 다음 세 가지를 모두 동시에 유지하려고 해보세요. 그것은 불편하며, 실제 물 위에 서 있는 느낌과 정확히 일치합니다. 대부분의 관람자는 눈이 한 층을 선택하고 안정되기 전에 몇 초 동안만 그것을 유지할 수 있습니다. 그 불안정성이 바로 이 그림의 실제 주제입니다.

실제 공간에서의 효과

이 그림은 이젤 규모의 그림이지 벽면 규모가 아니기 때문에, 큰 장식 패널과는 다르게 존재합니다. 그것은 친밀합니다. 방 건너편이 아니라 3~4피트 거리에서 보기를 원합니다.

그래서 사람들이 벽에 가까이 있는 장소에 적합합니다: 복도, 책상 위의 서재, 침실, 계단참, 독서 의자 옆 벽, 조명이 좋은 욕실. 가까이서 보면 실제로 더 좋아지는 몇 안 되는 주제 중 하나입니다. 왜냐하면 그 거리에서 페인트 처리가 읽히기 때문입니다.

팔레트는 차갑고 밝은 값이며, 어디에도 강한 어두운 색이 없어서 벽을 강조하기보다는 밝게 만듭니다. 흰색이나 아이보리색에서는 차분하고 거의 무중력처럼 보입니다. 부드러운 블루그레이나 옅은 세이지에서는 벽과 어우러져 분위기를 만듭니다. 강한 어두운 색에서는 갑자기 창백한 물이 방에서 가장 밝은 것이 되기 때문에 극적인 효과가 매우 큽니다.

또한 큰 패널이 그렇지 않은 것처럼, 이 그림은 잘 어울립니다. 비슷한 크기의 수련 그림 두세 점을 세트로 걸면 반복이 아니라 시간의 연속으로 읽히는데, 이것이 그가 처음에 모티프를 생각한 방식에 훨씬 더 가깝습니다.

가능하면 고르고 밝은 주간광을 주세요. 이 그림은 단일 초점도 깊은 그림자도 없는 그림이며, 만들어진 것과 같은 평평하고 넉넉한 빛에서 가장 잘 보입니다.