센 강가의 가을, 아르장퇴이 (1873) 클로드 모네

클로드 모네의 아르장퇴유 센 강의 가을 — 아르장퇴유의 센 강가의 가을, 1873; High Museum of Art · 재현 제품 보기

강 위의 가을은 약 3주간 지속됩니다. 나뭇잎이 물들고, 잠시 동안 강둑은 금빛과 녹슨 빛, 구릿빛으로 물들며, 그 아래 물은 모든 것을 두 배로 반사하고 두 톤 정도 어둡게 만듭니다. 그러다 한 차례 강풍이 지나가거나 일주일간 비가 내리면 그 광경은 끝납니다. 그 빛을 포착하려는 화가는 그 일이 일어나는 동안 매일 작업 가능한 날마다 물 위에 나가 있어야 합니다. 다음 해까지 다시 기회가 없기 때문입니다.

모네는 서른세 살, 아르장퇴이에 살며 그곳에서 두 번째 가을을 맞고 있었습니다. 그는 작업에 맞게 개조된 평평한 배인 스튜디오 보트를 가지고 있어, 강 가장자리가 아닌 강 한가운데에 자신을 둘 수 있었습니다. 그 위치에 앉으면 구도는 완전히 달라집니다. 강둑은 더 이상 전경이 아니라 먼 가장자리가 됩니다. 물은 당신을 둘러싸고 당신이 보는 모든 것의 아래 절반을 차지합니다.

상실 이전의 시절

그는 1871년부터 1878년까지 아르장퇴이에 살았습니다. 그 시절은 엄청난 양의 강 그림을 남겼으며, 이 캔버스는 그 시작 무렵에 속합니다. 첫 번째 아내 카미유가 살아 있었고, 집안은 젊었습니다. 마을은 사람들이 주말에 항해하러 오는 곳이었고, 강에는 유람선과 작업용 선박이 함께 다녔습니다.

카미유는 1879년, 서른두 살의 나이로 세상을 떠났습니다. 모네의 이야기에서 모든 것은 비공식적으로 그 날짜를 기준으로 나뉘며, 이는 이런 그림이 읽히는 방식을 바꿉니다. 그 순간에 그려졌을 때는, 단지 강 위의 좋은 가을 오후일 뿐입니다. 나중에 돌아보며, 다음 10년이 무엇을 가져왔는지 알게 되면, 그 그림은 정해진 그리고 꽤 짧은 만료 시한을 가진 안정된 삶의 그림이 됩니다.

그런 것은 그림 속에 없습니다. 붓놀림에 우울함이 없고, 나무에 상징이 없습니다. 그것은 자신의 초기 경력에서 가장 유창한 시절 한복판에 있던 한 남자의 밝고, 빠르고, 자신감 있는 캔버스입니다. 그것이 지금 지니는 무게는 나중에, 외부에서 왔으며, 무게가 보통 그렇듯이 그렇게 왔습니다.

물 위에서의 작업

물 위에서 그림을 그리는 것은 조건을 부과합니다. 지지대가 움직입니다. 빛은 하늘뿐만 아니라 수면에서도 당신에게 오므로, 모든 것의 아랫면이 빛을 받고, 강둑에서보다 전체 장면이 더 밝습니다. 물건을 내려놓을 곳이 없습니다. 그리고 당신은 헌신해야 합니다. 배를 배치하고 시작했다면, 시점을 바꾸는 것은 스튜디오 전체를 옮기는 것을 의미합니다.

그 대가로 당신이 얻는 것은 반영입니다. 강둑에서 보면 물을 얕은 각도로 보게 되어 반사가 압축됩니다. 중앙에서, 수면에 낮게 위치하면, 반사는 강둑을 거의 획 하나하나까지 그대로 반영하는 긴 수직 기둥으로 펼쳐집니다. 그것이 바로 보트가 존재했던 진짜 이유입니다.

반사가 어떻게 그려졌는지 보십시오. 강둑 자체는 잎을 위해 점찍고 군집된 터치로 만들어졌습니다. 강둑의 반사는 같은 색상의 더 긴 수직 스트로크로, 약간 더 어둡고, 약간 더 탁하며, 표면이 깨지는 곳마다 중간중간 끊깁니다. 그 중단이 바로 전체 환상입니다. 완벽한 거울은 유리처럼 보일 것이고, 깨진 거울은 물처럼 보입니다.

가을 색이 실제로 페인트에서 작용하는 방식

초보자는 가을을 주황색으로 그리지만, 결코 자연스러워 보이지 않습니다. 그 이유는 가을 단풍이 올바른 차가운 색조로 둘러싸일 때만 금색으로 읽히기 때문입니다. 이곳의 나무 군락을 들여다보면 그늘진 부분에는 여전히 녹색이, 하늘이 비치는 틈에는 파란색이, 가장 깊은 곳에는 보라색이 자리 잡고 있음을 발견할 수 있습니다. 따뜻한 색은 모든 곳에 있지 않습니다. 그것은 빛이 닿는 곳에 놓이며, 옆에 있는 모든 차가운 색 때문에 타오르게 됩니다.

같은 논리가 물에서도 이어집니다. 반사된 금색은 청회색 하늘의 스트로크와 강 자체의 지역 색(녹색을 띠고 탁한)에 의해 끊깁니다. 그 중단들을 제거하면 반사는 표면처럼 보이기보다 얼룩처럼 보일 것입니다.

같은 물, 반복해서

이 캔버스에는 결국 그를 정의하게 될 습관이 형성되고 있습니다. 그는 이미 그린 강줄기를 그리고 있으며, 다른 날씨와 계절, 물 위의 약간 다른 위치에서 다시 그리고 또 그릴 것입니다.

당시에는 이것이 한계처럼 보였습니다. 화가는 여행하고, 주제를 모으고, 다양성을 가져오는 것이 기대되었습니다. 한자리에 머물며 자신을 반복하는 것은 분명히 경력처럼 보이지 않았습니다. 그러나 하나의 주제에 대한 반복은 여행이 할 수 없는 일을 해냅니다. 그것은 참신함을 방정식에서 제거합니다. 강의 굽이를 마흔 번 그렸다면, 당신은 더 이상 그 굽이에 관심이 없습니다. 당신은 오늘과 지난번의 차이에 관심이 있습니다. 즉, 당신은 빛에 관심이 있으며, 그것이 변한 유일한 것입니다.

17~18년 후, 그는 이것을 건초 더미 캔버스와 대성당 시리즈로 공식화하고, 조건이 바뀜에 따라 여러 그림을 동시에 작업하며 순환시킬 것입니다. 공식적인 방법은 1873년에는 아직 미래의 일이었습니다. 그 뒤에 있는 본능은 이미 여기에 있습니다. 돌아와서, 다시 보고, 무엇이 다른지 주목하십시오.

가을은 그 본능에 이상적인 계절입니다. 가을은 익숙한 장소가 일시적으로 알아볼 수 없게 변하는 유일한 시기이기 때문입니다. 7월에 녹색으로 그렸던 같은 나무들이 타오르고 있습니다. 같은 물이 다른 색을 담고 있습니다. 아무것도 움직이지 않았지만 모든 것이 변했습니다. 이것이 바로 그의 후기 경력 전체가 세워진 발견입니다.

캔버스 읽기

수평선을 찾은 다음, 강둑과 그 반사를 비교하십시오. 반사는 명도 값이 더 어둡고 채도가 낮습니다. 이 관계는 일관되며, 당신의 눈이 실제와 반영을 구분하는 데 사용하는 것입니다.
반사를 수평으로 끊는 스트로크를 찾으십시오. 그것들은 강이 움직이고 있었다는 것을 표시하며, 거의 확실히 움직이는 배에서 마지막으로 그려졌을 것입니다.
하늘을 찾으십시오. 구성이 대부분의 캔버스를 강둑과 그 이중에 할애하기 때문에 일반적으로 당신이 기억하는 것보다 적습니다.
개별 단풍 점들이 합쳐질 때까지 뒤로 물러서십시오. 나무가 나무가 되는 거리는 그 그림이 보이도록 디자인된 거리입니다.

실제 벽에서의 반응

따뜻한 색조가 지배적인 풍경화는 함께 살기에 가장 친근한 그림이며, 이 작품은 비정상적으로 균형이 잘 잡혀 있습니다. 위쪽 절반에는 금색과 구릿빛이, 아래쪽에는 차가운 녹색과 청회색 물이 있어, 달콤하지 않으면서 따뜻합니다.

낮 동안 실제 햇빛이 들어오는 벽에서 가장 잘 보입니다. 따뜻한 색감이 빛을 받아 발광을 유지해야 하기 때문입니다. 어두운 방에서는 금색이 갈색으로 변합니다. 따뜻한 저녁 램프 아래에서는 더욱 풍부하고 가을다워지므로, 사람들이 정오보다 저녁에 더 눈여겨보는 그림 중 하나입니다.

강한 중앙 띠가 있는 가로 형식은 폭을 요구합니다. 소파, 긴 사이드보드 또는 침대 위에서는 자연스러워 보일 것입니다. 좁은 벽 기둥에서는 비좁게 느껴질 것입니다. 앉은 눈높이에 걸고 수평선이 사람들의 눈높이와 맞을 기회를 주십시오. 강은 당신이 그 위에 앉아 있는 것처럼 보일 때 가장 잘 보입니다.

주변 환경으로는 따뜻한 나무, 황동, 울, 그리고 크림색, 점토색, 올리브색 또는 부드러운 회녹색 벽을 좋아합니다. 차가운 흰색과 대비되면 눈에 띄게 더 생생해지고, 강한 파란색 벽과 대비되면 거의 연극적으로 변합니다. 어떤 벽이든, 그 주변 공간을 조용히 유지하십시오. 그것은 짧은 계절의 그림이며, 짧은 계절은 주목을 받을 자격이 있습니다.